miércoles, 30 de enero de 2013

Manuel Cristóbal: "Cuando me dijeron 'el maestro Takahata le recibirá a las cuatro' me puse un poco nervioso. Fue tremendamente agradable"

El productor del film 'Arrugas' habla con nosotros en exclusiva sobre su visita al Studio Ghibli

En Generación GHIBLI hoy cumplimos 3 años, y como ya os hemos ido adelantando estos últimos días, hemos estado preparando algo que nos ilusionaba publicar: Una entrevista en exclusiva con el productor de cine Manuel Cristóbal, quien nos ha hablado de su reciente visita al Studio Ghibli, donde tuvo un encuentro y una charla con el mismísimo Isao Takahata ^^

La trayectoria de Manuel Cristóbal habla por sí sola: productor audiovisual en estudios internacionales en Reino Unido y Berlín, ha trabajado en series tan conocidas como Pocoyó o Shuriken School, y ha ejercido de productor ejecutivo, consultor audiovisual, docente,... Además, ha impartido conferencias en el extranjero y es miembro de distintas instituciones como la Academia de Cine español y la Academia de Cine europeo, entre otras.

Ganador de 4 premios Goya a la Mejor película de Animación por El Bosque Animado (2001), El sueño de una noche de San Juan  (2005), El lince perdido (2008) y Arrugas (2011), ha conseguido con esta última importantes reconocimientos en todo el mundo. El largometraje dirigido por Ignacio Ferreras, uno de los mayores éxitos de la animación española, fue también la primera película animada en recibir el Goya en la categoría de Mejor guión adaptado, basado en la popular novela gráfica de Paco Roca.


Tras su nominación el año pasado a los Premios del Cine Europeo y su preselección para el Óscar de Hollywood, precisamente hoy Arrugas se estrena en Francia con buenas expectativas.

Hemos hablado con Manuel sobre Ghibli y la influencia del estudio de Hayao Miyazaki e Isao Takahata en su trabajo, entre otros temas interesantes.


Generación GHIBLI (G): ¿Cómo descubriste Studio Ghibli? 
Manuel Cristóbal (M): Ghibli siempre ha estado ahí. Recuerdo como algo muy especial haber visto La princesa Mononoke en la sala grande del Bonllieu en el Festival de animación de Annecy. Estoy deseando que mis hijos crezcan un poco más para ver películas de Ghibli con ellos. Totoro bostezando aún les asusta.
G: ¿Cuáles son tus películas favoritas? 
M: Totoro y La tumba de las luciérnagas. Totoro porque es una historia maravillosa, un personaje genial y uno de los universos fílmicos más sorprendentes que se pueden encontrar en el cine. La tumba de las luciérnagas porque es una demostración de que una historia dramática y potente se puede contar en animación. De todos modos son muchas y todas de mucho nivel, ya lo sabéis. 
G ¿Cómo ves el futuro de Studio Ghibli cuando Miyazaki y Takahata ya no estén en condiciones de trabajar? 
                                                                              M: Será un reto, pero en Japón hay mucho talento.


G: ¿Cómo surgió tu reciente visita a Studio Ghibli? 
M: En marzo de 2012 asistí a Tokyo Anime Fair Show gracias a la colaboración del ICEX y aproveché para visitar Ghibli porque el director de referencia para Ignacio Ferreras cuando hizo Arrugas era Takahata. Yo quería que supiera de la película porque me parecía un bonito homenaje de todo el equipo y sobre todo del director. La Embajada española nos echó una mano y lograron una entrevista que tuvo lugar después de visitar el Museo de Ghibli. Un día para enmarcar. 
G: ¿Qué te pareció su sistema de trabajo? ¿Crees que es la mejor forma para hacer animación? ¿Qué impresión te causó el estudio desde dentro? 
M: Es un sistema totalmente artesanal y muy personal. Da gusto ver el nivel de los artistas, y en cierto modo, es más “orgánico” que la animación por ordenador. No creo que haya sistemas mejores o peores, cada historia te pide un sistema y lo ideal es tener el presupuesto para hacer la calidad que te pide cada proyecto. Si no llegas al presupuesto necesario es mejor no hacerla. 
Yo estuve en uno de los estudios y obviamente me encantó por esa combinación de imaginación y orden. Estoy deseando ver las próximas películas de Ghibli y me consideré muy honrado por haber podido ver el estudio.


G: ¿Cómo fue conocer y tratar con Isao Takahata? 
M: Cuando llegué al Museo Ghibli y me dijeron “el maestro Takahata le recibirá a las cuatro” me puse un poco nervioso. Fue tremendamente agradable y lo vi muy animoso, estuvimos hablando durante más de una hora y mostró mucho interés por todo lo que le conté y enseñé de Arrugas. Subtitulamos la película al japonés y se la enviamos porque quería verla. Luego cuando volví le mandé la foto que me hice con él a Ignacio Ferreras, que estaba encantado. 
G: ¿Qué pudiste observar sobre su nuevo proyecto (Kaguya- Hime no monogatari) y su estilo? 
M: Tiene el toque Ghibli, sin duda, y me parece una fábula preciosa. No vi demasiado de todos modos porque sólo vi planos y fondos. 
G: ¿Cómo ves la labor de Toshio Suzuki en Ghibli? 
M: La labor del productor muchas veces no se reconoce y como dice Miyazaki: “Si no hubiera Suzuki no habría Ghibli”. Es importante tener equipos sólidos y el productor también forma parte del equipo. 
G: ¿Cuál es tu trabajo como productor? 
M: Mi trabajo es generar proyectos, dimensionarlos, reunir equipo, financiarlos, proteger a mi talento y luego lanzarlos. Un trabajo apasionante pero duro y que requiere muchas constancia y muchas horas. Uno de los mejores sitios para aprenderlo es en el MPXA en Coruña. 
G: ¿En qué obras de Studio Ghibli os habéis fijado para hacer películas? 
M: Para Ignacio Ferreras La tumba de la luciérnagas es una referencia importante. Arrugas es en cierto modo una obra muy japonesa por forma de narrar, su tempo, su economía de animación y su tema. Los pases que hemos hecho en Japón han gustado mucho y nos honró mucho recibir el Grand Prize de la NHK.


G: Arrugas ha sido todo un éxito internacional, ¿cómo valoras su proyecto y su trayectoria hasta llegar a donde ha llegado? 
M: Arrugas es uno de esos proyectos que tiene estrella, es una película pequeña que nos ha dado muchas alegrías y que llega a público de todo el mundo. El día que leí sobre el cómic y me dije “Este es el Persépolis español” no sabía la cantidad de alegrías que nos iba a dar. Paco Roca es un gran autor y muy generoso, e Ignacio Ferreras, que era mi primera elección como director y esta es su primera película, se mostró como un director con un gran talento, muy trabajador y que logró una película maravillosa. Recuerdo la primera vez que vimos la película terminada como un día para rememorar, luego la recepción en el Festival de San Sebastián confirmó que teníamos una película muy, muy especial. 
G: ¿Por qué crees que la animación sigue estando considerada como una forma “menor” de hacer cine? 
M: En cierto modo es verdad, pero sólo para algunos. A nivel de recaudación y en cine familiar no tiene nada de menor. Yo me siento muy cómodo haciendo películas de animación y más ahora que puedes hacer cosas para un público adulto.


G: ¿Qué es lo que más te gustaría hacer en el mundo de la animación y del cine en general? ¿Tienes algún futuro proyecto interesante sobre la mesa que se pueda desvelar? 
M: Me gustaría seguir haciendo animación familiar para un mercado internacional y por otro lado seguir haciendo obras más personales en animación como Arrugas. Sobre todo me gustará seguir trabajando con Ignacio Ferreras que es un gran director. En el 2012 fue elegido por Variety y European Film Promotion como uno de los diez nuevos talentos del cine europeo (Ten directors to watch) y en esa lista sólo ha habido tres españoles: Juan Carlos Fresnadillo, Rodrigo Cortés y ahora Ignacio Ferreras. Dará mucho que hablar. 
Sobre futuros proyectos no puedo decir nada aún, pero claro que los hay.

G: Para terminar, si quieres añadir alguna cosa más... 
M: Gracias.



Le agradecemos mucho a Manuel Cristóbal su colaboración, tanto ofreciéndonos sus palabras como las imágenes que podéis ver en la entrada; y el trato recibido desde que le propusimos la entrevista. Ha sido un verdadero placer y esperamos que os haya gustado ^^


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lunes, 28 de enero de 2013

Generación GHIBLI en el diario La Voz de Galicia

El reportaje completo que se publicó el domingo

Ayer fue un bonito día para Generación GHIBLI y sus lectores, ya que se publicó en el diario La Voz de Galicia un reportaje en el que colaboramos explicando un poco qué es lo que más nos gusta de Studio Ghibli ^^

Pincha en la imagen para verla a mayor tamaño 
y poder leer el reportaje

Cuando el periodista Javier Armesto nos pidió colaboración para encontrar aficionados gallegos del estudio, os lo hicimos saber a través de las redes sociales... ¡y vuestra respuesta fue estupenda! ^^ Muchos quisisteis participar y algunos de entre los seguidores de Generación GHIBLI contaron con su espacio en el reportaje: Iñaki y su encantadora familia, India, Sara, Rosa, Lucía… e incluso Manuel Cristóbal, productor de, entre otras, la reconocida película de animación Arrugas. Bueno, y al final, también nosotros mismos respondimos a algunas preguntas… xD

Nos ha hecho ilusión el haber compartido esto con vosotros, ya que representa un paso más desde que se fundó el blog persiguiendo el objetivo de dar a conocer la obra de Studio Ghibli. Estos nuevos caminos a los que podemos llegar se deben, sobre todo, al  apoyo que siempre ha recibido. Por eso, por leernos, a todos los seguidores, a todos los que colaborasteis y seguís participando y comentando, a todos los que nos llenasteis la bandeja de entrada del correo aquel día y a Javier por su reportaje, no podemos deciros otra cosa que... muchas gracias por estar ahí ^^


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jueves, 24 de enero de 2013

Nuevos datos sobre las películas de Miyazaki y Takahata para 2013

Completo informe de la distribuidora sobre 'Kaze Tachinu' y 'Kaguya-hime no Monogatari'

TOHO, la distribuidora de las nuevas películas de Studio Ghibli, subió a su web recientemente un completo informe que anunciaba nuevos e interesantes detalles acerca de estos esperados trabajos. Gracias a la colaboración de T. Ishikawa traduciendo del japonés al inglés, os trasladamos con nuestras propias palabras y en español, toda esta nueva información que nos sigue ayudando a vislumbrar lo que hay detrás de los próximos films del estudio. 
Hayao Miyazaki e Isao Takahata están de vuelta 
Imagen: Brutus Magazine Japan

Antes que la historia de Kaguya, Takahata quiso hacer una película sobre Heike Monogatari (El cantar de Heike), un poema épico clásico de la literatura japonesa que también quiso realizar en su día el prestigioso cineasta Akira Kurosawa. 
Sin embargo se encontró con un gran problema: Él, a pesar de ser director, no es dibujante por lo que necesitaba un animador de confianza para trasladar su idea. El elegido fue Osamu Tanabe. Sin embargo, éste no quería hacer el trabajo puesto que había escenas demasiado violentas ("Yo no quiero dibujar una escena de masacre, ¿por qué tengo qué hacerlo?" le dijo). Una reflexión de Tanabe en la que pedía a Takahata que le debía dejar dibujar escenas más amables con niños le llevó a la conclusión de que quizás sería más interesante contar bien de una vez a Japón la historia de la Princesa Kaguya, la niña nacida del bambú, algo que se ajustaba mejor a los deseos del animador. 



Seiichiro Ujiie, el productor que impulsó el regreso del director con Kaguya-hime (y que por desgracia falleció en 2011 a los 84 años de edad) era un enamorado de las películas de Isao Takahata. Tanto, que incluso cuando produjo El viaje de Chihiro afirmó no entender su significado ("No lo puedo entender. Aunque parece ser una gran película, no logro entender su significado") y preferir Mis vecinos los Yamada de Takahata. Sin duda Ujiie era un fiel aliado suyo, pues Mis vecinos los Yamada fue un sonado fracaso en taquilla mientras El viaje de Chihiro batió todos los récords de recaudación y numerosos premios internacionales, entre ellos el Oso de Oro de Berlín o el Oscar de Hollywood.


El 20 de Diciembre de 2010 se terminó de realizar el storyboard para Kaguya. Ujiie estuvo revisándolo durante 2 horas y media. Cuando Suzuki le preguntó qué le parecía, Ujiie respondió: "Kaguya es una chica egoísta. Pero me gustan las chicas egoístas (risas)". Takahata se alegró de esa visión pues comentó: "Es correcto, Kaguya es egoísta. Pero la característica de las chicas de ahora es el egoísmo, ¿no? Yo no solo quiero hacer una historia clásica".

Yoshiaki Nishimura (en la imagen de la izquierda), productor de la película, comentó que lleva desde 2006 implicado en el proyecto, cuando aún era asistente de Toshio Suzuki. Éste le llamó a su despacho y le dijo "A partir de mañana usted está a cargo de Takahata". El propio Takahata un día le dijo: "Nishimura, ésta posiblemente puede llegar a ser mi mejor película". Todos los miembros del equipo piensan sinceramente que ésta puede ser la mejor película de Isao Takahata, pero también la última del director y co-fundador de Studio Ghibli, que cuenta ya con 77 años de edad.


Toshio Suzuki, productor de Kaze Tachinu y figura clave en Studio Ghibli

Toshio Suzuki (productor ejecutivo de Studio Ghibli) comentó que Seiichiro Ujiie también estaba vinculado a Kaze Tachinu, la nueva película de Hayao Miyazaki. De hecho, Ujiie deseaba, y así lo intentó, que Jiro Horikoshi fuera el diseñador del avión para el film. Él entrevistó a Horikoshi en dos ocasiones como reportero en un periódico. Así que tenía grandes expectativas con Kaguya-hime y Kaze Tachinu. Suzuki lamentó mucho su muerte. 
También cuenta que las voces de doblaje para Kaze Tachinu aún no se han decidido. Según Miyazaki, los japoneses de aquella época hablaban más rápido y contaban con una elocuencia más fluida que la gente actual. Están buscando a actores que puedan hablar de ese modo, pero les está resultando difícil.



La nota de prensa incluye además una entrevista muy interesante con el propio Toshio Suzuki y Yoshiaki Nishimura, los dos productores, que desvela todo tipo de nuevos detalles acerca de las películas de Isao Takahata y Hayao Miyazaki para este mismo año 2013:


En el vídeo, reportaje de la televisión japonesa sobre la rueda de prensa

Pregunta (P): Por favor, explique la razón por la que los estrenos van a tener lugar el mismo día. 
Toshio Suzuki (S): Porque las películas son entretenimiento. El público se entusiasma cuando Ghibli lanza dos películas el mismo día. Yo estaba emocionado también (risas). 
P: ¿En cuántas salas? 
S: Hablé con TOHO, les dije "quiero que tengan las mismas salas". Entonces nos dieron una respuesta: "no es bueno que haya diferencia". Me gustaría anunciar una afluencia masiva, porque querría evitar estar fuera de la esencia de las películas ganando o perdiendo con ellas. 
P: ¿Cree usted que existe el riesgo de que se "pisen" entre ellas? 
S: No lo creo. 1 más 1 es 3. 


P: ¿Hicieron algún comentario que denotara que son conscientes de esto (de la situación de que cada uno tenga una película)? 
S: Ellos no lo hacen porque son muy discretos, pero yo quería avivar los comentarios. Me dijo Takahata: "Entiendo tus motivos ocultos, pero no me vas a engañar con eso" (risas). 
P: ¿Se revisaron las historias de las películas a causa del gran terremoto del Este de Japón? 
S: Eso es muy importante. El guión no se vio afectado por el desastre en ese momento porque ya estaba casi terminado. 
P: ¿Qué duración tienen las dos películas? 
S: Ésta es mi suposición, pero creo que será en torno a 2 horas y 5 minutos. Creo que el tiempo se sincronizará de manera exquisita porque los directores son conscientes el uno del otro. Mi vecino Totoro y La Tumba de las luciérnagas fueron de 86 y 88 minutos en su día. 
P: ¿Cuándo estarán terminadas? 
S: Debemos terminarlas para finales de Junio. Pero no sé qué pasará...


··· Sobre 'Kaguya-Hime'

P: El teaser parecía distinto a la versión original... 
S: Es una historia sobre la era Heian, al igual que la original. El contexto de la historia es el mismo. 
P: Usted habló sobre "una chica moderna que viaja en el tiempo"... 
S: Eso significa que él está haciendo una película con ese espíritu. Porque la audiencia no puede entenderlo sin pensar en una conexión directa con el presente. No es una historia en la que una chica viaje en el tiempo a la era Heian y regrese al momento presente. Es algo que va más allá, ¡pero tendréis que esperar para poder verlo! (risas). 
P: Nishimura mencionó que será "la última y mejor película de Takahata"... ¿Es ésta su última película? 
Yoshiaki Nishimura (N): La última. 
S: Takahata querría que fuera la última (risas). No debéis creer las palabras del director. 


P: El estudio trabajó en una nueva técnica estilo acuarela en Mis vecinos los Yamada. ¿Esta película usará alguna otra nueva técnica? 
N: Esta técnica es una versión completa de la de los Yamada. 
S: Hayao Miyazaki también lo ha hecho todo lo mejor posible y lo va a hacer todo con dibujo a mano. Pero usaremos algo de CG (gráficos por ordenador) a sus espaldas (risas). 
P: ¿Cuál es el papel de Riko Sakaguchi en el guión? 
N: Yo escribí el guión al principio, pero el mío salió mal. Así que le sugerí a Takahata que escribiera el guión él mismo. Pero él no avanzó nada tras diez meses (risas). Entonces buscamos un guionista y Sakaguchi nos ayudó. Como Takahata había escrito la base de la historia cincuenta años atrás, ella añadió algunos detalles y lo dejó así. 
S: Takahata odia escribir un guión repentinamente por una cuestión de fracaso. Él deja que otra persona escriba el guión al principio, lo machaca completamente y luego hace uno bueno (risas).

* NOTA: Takahata había enviado un borrador de Kaguya-hime a TOEI hace cincuenta años.



··· Sobre 'Kaze Tachinu'

P: ¿Qué quiere decir "Iza Ikimeyamo (Debemos tratar de vivir)"? (* NOTA: Incluso para un japonés es difícil de entender, porque no es japonés moderno) 
S: La poesía de Paul Valéry se cita en francés al principio de Kaze Tachinu, y Tatsuo Hori lo tradujo. Es "Kaze tachinu, iza ikimeyamo".
Varias personas lo señalaron y mencionaron que, por alguna razón, parecía haber sido mal traducido. Debería ser  "el viento se levanta, debemos tratar de vivir" en una traducción literal, pero Tatsuo Hori lo tradujo como "el viento se levantó", en pasado. Y como "iza ikimeyamo" es una ironía, significa que "vivamos. No, muramos". Parece que continuamente hay un debate en la historia de la literatura japonesa debido a su traducción fallida. Estábamos contrariados, pero pensamos que es conveniente respetar a Tatsuo Hori para usarla.

P: ¿Qué opina Miyazaki sobre dibujar a una persona actual? 
S: Miyazaki ha dibujado todos los hechos que le sucedieron a Jiro Horikoshi desde el manga. Pero es una creación de Miyazaki sobre su personalidad. Visité al hijo de Jiro Horikoshi para obtener su permiso y obtuve su consentimiento con las palabras: "Por supuesto que no me importa". El Jiro Horikoshi de Miyazaki tiene un carácter calmado, por lo que no podemos saber lo que piensa con sólo mirarle fugazmente. Yo pensaba que era posiblemente como el padre de Miyazaki y se lo señalé. Él contestó: "me gustaría reconocer a mi padre en esta película". 
P: El avión del teaser parecía algo ficticio. ¿Cuántos aviones imaginarios aparecen en la película? 
S: Aparece un considerable número de aviones reales en la película. La gente de aquel entonces creaba aviones con diseños impensables ahora mismo, pero que no eran capaces de volar adecuadamente. Como Miyazaki los conoce bien, los dibuja para la película. Difiere de lo que se denomina "creación". Lo que Miyazaki dibuja verdaderamente existe si uno se fija en el original.


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Muchas gracias a T. Ishikawa por toda la información proporcionada desde Japón, y a Marta por la traducción.




[ ACTUALIZADO ] El estreno de Kaguya-hime se retrasa hasta otoño por problemas en los storyboards.


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jueves, 17 de enero de 2013

Descifrando Ghibli: 'El viaje de Chihiro' y sus referencias culturales

La tradición y el folclore japonés en el universo Ghibli

 ¿Qué diferencia física hay entre un dragón chino y un dragón japonés? ¿En qué se basó Miyazaki para crear a los dioses de la película? ¿Qué hay en el templo Kiyomizu de Kioto? ¿Qué simboliza Haku en su condición de dragón?


Hace ya un tiempo conocimos a los simpáticos tanuki y a los astutos kitsune del universo de Pompokoasí como a la princesa Kaguya, la futura heroína de Takahata en su próxima película. Sin embargo, en esta ocasión nuestros pasos nos conducirán hacia otra historia y hacia otro ser diferente. Así pues, en nuestro afán de exprimir y desentrañar la cultura más allá de las obras del Studio Ghibli, volvemos a partir de su mundo artístico para presentar a uno de los seres más admirados de toda la tradición mitológica universal: el dragón, que en Japón recibe varios nombres como ryū o tatsu
Para ello, será inevitable que pensemos en la obra maestra de Hayao Miyazaki, El viaje de Chihiro, y la noble figura de Haku como kami (dios, espíritu sagrado) o como bakemono, concepto que, aunque por lo general se asocia al de “fantasma”, literalmente se refiere a aquel ser con la capacidad de transformarse a voluntad, tal y como le sucede a nuestro personaje, cuya dualidad de forma dibuja una de las claves argumentales de la historia de Chihiro en su desarrollo. 


Conviene tener en cuenta que, aunque ésta sea una de las películas del estudio con mayor contenido mitológico, no debemos olvidar que la tarea de visualizar y dar forma a los Kami (dioses) y los Rei (espíritus) en la película fue, en gran parte, fruto de la imaginación de Hayao Miyazaki, ya que, tal y como él mismo afirmó: "los dioses japoneses no tienen una forma definida. Se encuentran en las rocas, en las columnas o en los árboles. Pero necesitan una forma para ir a la casa de baños". Por tanto, la abundancia de símbolos, discretamente utilizados por nuestro director, responde en parte a una realidad de cultos y ritos presentes en la sociedad, pero también evidencia una tradición milenaria que siempre ha vinculado el alma humana con el respeto por una naturaleza poblada de vida.  



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¿Qué aspecto tienen 
los dragones orientales?
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El dragón japonés, de cuerpo alargado y serpentino, se emparenta físicamente con otros orientales como el chino (lóng) y el coreano (ryong) en el hecho de que todos tienen cuernos, carecen de alas y presentan pequeñas extremidades afiladas al final de un cuerpo serpentino y alargado. Algunos autores incluso utilizan el número de garras que puedan poseer para establecer una distinción con respecto a su origen, ya que cinco o cuatro corresponderían a los chinos en función de su carácter imperial o no, cuatro a los coreanos y tres para los japoneses. En realidad, el mito del dragón oriental resulta muy similar en estos tres países, aunque en el pensamiento popular cada uno de ellos se adjudica el mérito de haberlo creado y le otorga características especiales. 

Representación de un dragón japonés con tres garras 
En el caso de Japón tenemos que tener en cuenta, además, que en distintas versiones de sus leyendas el aspecto físico de los dragones se puede confundir con el de las serpientes míticas, aunque su simbolismo sea claramente distinto: mientras que los primeros representan una imagen bondadosa unida al agua y la vida, las serpientes se asocian a eventos negativos. No en vano, en El viaje de Chihiro Zeniba afirma rotundamente que "todos los dragones son buenos, buenos y estúpidos" aunque, sin embargo, esto no impide que existan algunas leyendas en las que los dragones actúen como bestias feroces y que en el colectivo japonés se les considere criaturas poseedoras de un gran conocimiento.



En lo referente al culto a estas criaturas, cabe mencionar que existen numerosos templos y altares para reverenciarlos, generalmente junto a las costas y las orillas de los ríos en consideración con su relación con el elemento del agua. De entre estos dragones, uno de los más importantes y mejor considerados es Seiryuu, representante del Este, estandarte azul de la primavera y uno de los guardianes de la ciudad de Kioto. Allí, además, se encuentra el famoso y bello templo de Kiyomizu, en el que es tradicional el beber el agua que emana de una fuente en forma de dragón sobre una pila de piedra.

Estatua de Seiryuu en el templo de Kiyomizu de Kioto 
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¿Cuántos tipos de dragones existen?
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Si queremos conocer la respuesta a esta pregunta tendremos que tener presente que existen numerosos modos de clasificarlos atendiendo a diferentes criterios como el color o la antigüedad. Sin embargo, de entre este amplio esquema organizativo sobre dragones orientales de tradición china destacamos una clasificación concreta que se basa en sus distintas funciones y que resultará de interés a la hora de relacionarla con El viaje de Chihiro
Dragones celestiales que protegen y sirven a los dioses y los cielos. 
Dragones espirituales que controlan el tiempo atmosférico: las tormentas, vientos, sequías y lluvias. 
Dragones terrenales (el subgrupo al que pertenecería Haku) que determinan y cuidan el curso de los ríos. 
Dragones subterráneos que guardan maravillosos tesoros prohibidos a los hombres.



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¿Existen leyendas 
protagonizadas por dragones?
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Los dragones aparecen en numerosas leyendas y cuentos tradicionales japoneses como la del Señor del saco de arroz, aunque únicamente destacaremos dos historias por relación con el tema que nos interesa. Sin embargo, y como siempre, os invitamos a profundizar en este tema tan apasionante con la consulta de obras especializadas, libros de cuentos y editoriales expertas ^^.

Monumento a una leyenda popular en el lago Ryujin junto a la presa de Omachi 
En primer lugar, es preciso conocer al rey dragón del mar, Ryujin, cuyo poder y control de joyas sagradas le permiten alterar las mareas y los movimientos marinos. En el hermoso palacio de este singular monarca, admirado y venerado por todas las criaturas de la naturaleza, reside su corte de crustáceos y peces, la princesa Otohime (su hija y protagonista de bellas leyendas amorosas en las que se afirma su capacidad de transformación) y su mensajero, Ryuja o Hakuja, una pequeña serpiente blanca con rostro de anciano. Este reino submarino es el protagonista de una de las leyendas más famosas de la tradición japonesa: la de Urashima Taroquien descendió a las profundidades marinas a lomos de una tortuga y conoció las maravillas que allí se atesoraban. 

Las criaturas marinas ofrecen un espectáculo en el palacio del Dragón (1847 -1848) 
Tal y como adelantamos antes, aunque los dragones japoneses suelen ser bondadosos y amables como Haku, también están sujetos a los designios de los dioses del cielo a los que sirven, y pueden darse casos en los que actúen como bestias feroces. Éste es el caso de una leyenda que ya figura en el más antiguo libro histórico japonés, el Kojiki, y que narra el enfrentamiento que tuvo lugar entre el dios Susano-o y la bestia de ocho colas y ocho cabezas Yamata no Orochi por una bella doncella de la región de Izumo. Al final, tras emborrachar al dragón para debilitarlo, el héroe divino mató a la criatura, encontró una espada legendaria entre sus restos, se la ofreció a la diosa Amaterasu y obtuvo la mano de la joven. 

Susano-o y su lucha a muerte con Yamata no Orochi

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¿Qué simbolizan los dragones?
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Para terminar, es importante señalar otra vez la  estrecha relación que estas criaturas guardan con el agua en cualquiera de sus manifestaciones como fuentes, pozos, ríos y mares. Recordemos que Haku era la personificación del río Kohaku antes de que éste se secara y quedara arrasado por acción de los hombres, condición que probablemente lo condujera al encuentro de Yubaba con la intención de recuperar su energía aprendiendo su magia. 
Por otra parte, no son escasas las tradiciones culturales y artísticas en las que se ha identificado el agua como generador de vida, un rasgo que también presentan los dragones japoneses, especialmente los espirituales vinculados a los ríos, nubes y las lluvias que riegan los campos. Este hecho, en un modo más simbólico, nos conduce una vez más hasta Haku, pues, al fin y al cabo, fue quien "devolvió a Chihiro a la vida" cuando la rescató de pequeña de entre sus aguas. 


Igualmente destacamos que su figura cumple con una última función con la que se suele identificar a los dragones: la de enlace entre el mundo de los humanos y el mundo de los espíritus. No debe sorprendernos, por tanto, que este hecho encaje perfectamente con el aprendiz de Yubaba, ya que éste, ofreciéndole alimento a Chihiro y ayudándola a traspasar su frontera hasta llegar a Kamaji, es un claro ejemplo de vínculo y apoyo entre ambos universos :)
En definitiva, y a pesar de que el mundo mitológico de los dragones es muy amplio en el país del Sol Naciente, sí podemos apreciar cómo sus rasgos esenciales coinciden en mayor o menor medida con la imagen que Miyazaki otorgó al personaje de Haku y que podemos resumir en su conexión con el río, el rol de enlace y guía entre los mundos y su capacidad metamórfica.



Continuará...


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domingo, 13 de enero de 2013

Crítica: ‘Arrietty y el mundo de los diminutos’ (2010), de Hiromasa Yonebayashi

"Pequeñas grandes cosas"


Ya queda muy lejos aquel mes de diciembre de 2009 en el que Studio Ghibli anunciaba que trabajaba en un film llamado Karigurashi no Arrietty dirigido por el desconocido Hiromasa Yonebayashi y basado en la novela The Borrowers de Mary Norton, publicada en 1952. 
Un nuevo intento del estudio por asegurar un futuro incierto ante la veteranía de Hayao Miyazaki y la práctica retirada de Isao Takahata. Un intento que, sin embargo, sonaba muy bien ante la expectativa de ver como un animador joven de solo 36 años como Yonebayashi, que había crecido dentro del propio Studio Ghibli en los 15 años precedentes, se desenvolvía en la dirección de toda una película. 



Por supuesto, acudí al estreno en cines a mediados de Septiembre de 2011 (de hecho acudí dos veces ante lo excepcional que es que estrenen una película de Ghibli en pantalla grande xD). Hace unos días la revisé tranquilamente en su edición Blu-ray y pude extraer y reforzar las conclusiones que ya saqué en su día sobre ella. 
Aparece el logo del estudio, suena un tintineo y... 



Estrenada el 17 de Julio de 2010 en Japón con gran éxito y dirigida por el debutante Hiromasa Yonebayashi bajo la supervisión del proyecto por parte de Hayao Miyazaki, que también colaboraba en el guión co-escrito junto a Keiko Niwa, Karigurashi no Arrietty es por encima de todo una fábula contemplativa, de perfección y belleza visual deslumbrante, de una atmósfera única provocada en parte por una bonita banda sonora y que quizás adolece de un ritmo narrativo que a veces confunde la bella abstracción con la lentitud de su avance. 



¡Atención! El siguiente texto contiene spoilers 


··· LA REALIDAD POR ENCIMA DE LA FANTASÍA 

Shô es un niño de 12 años que, enfermo, se traslada a la casa de campo de su tía Sadako en busca de tranquilidad. Debajo de la casa sin que ellos lo sepan vive una familia de seres diminutos a imagen y semejanza de los humanos salvo por su tamaño de apenas 10 centímetros de altura. Arrietty, la hija que está a punto de cumplir 14 años, prepara su primera incursión a la casa de los "serhumanos". 



Los seres diminutos hacen incursiones para tomar prestados pequeños objetos sin gran valor para los humanos pero de gran utilidad para ellos. Cuando Arrietty se aventura con su padre por primera vez en una incursión para obtener un pañuelo y un terrón de azúcar, Shô se percata de su presencia...
Resulta curioso que en una película que toma como eje central el hecho de que unos seres diminutos vivan bajo una casa, no sea una película esencialmente fantasiosa. Muy al contrario, nos habla (a veces explícitamente, otras muchas de manera más sutil) de personas reales, de sentimientos reales y de problemas reales encarnados en seres que no existen.

  
Se nos presenta a Shô, un pre-adolescente que desde el primer momento nos desvela cómo es por su actitud: Educado, frágil, poco entusiasta y de aire triste y melancólico. No hace falta que nos digan que está enfermo (cosa que ocurre poco después) cuando ya notamos que este personaje está perfectamente perfilado. Pese a ser un niño la impresión es que él está al final de su camino en una interesante dotación del guión. 



Por contra está la diminuta Arrietty que es todo lo contrario: Vivaz, alegre y con ganas de comerse su pequeño mundo pese a las dificultades que pueda tener su condición de no levantar un palmo del suelo. La película se explaya a la hora de explicarnos que al contrario que Shô, ella está al inicio de un largo camino. Y lo hace con uno de esos puntos de partida, viaje iniciático, que toman todas las heroínas del Studio Ghibli. En su caso, su primera incursión o lo que es lo mismo: El primer paso hacia su madurez, un tema clásico y que se renueva una y otra vez en los trabajos del estudio. 

  
Realmente la confrontación de dos mundos muy diferentes como el de Shô y el de Arrietty no es tanto el choque de tamaños, sino de dos personas de similar edad que se encuentran en un punto totalmente opuesto del camino entre sí. Y ahí tenemos la clave de un argumento en apariencia simple pero lleno de matices y significados mucho más allá de "niño humano encuentra niña diminuta y se hacen amigos". Ambos deben aportarse algo mutuamente: Arrietty la esperanza y las ganas de vivir pese a las dificultades, y Shô la consciencia y la aceptación de esas dificultades. 

··· FUSIÓN GHIBLI

Karigurashi no Arrietty a primera vista es una mezcla de conceptos y de influencias muy claras de todo lo que ha hecho el Studio Ghibli anteriormente. Y eso, lejos de ser un hándicap, lo convierte en un gran homenaje y un continuismo a la firme idea del estudio que los más seguidores apreciamos muy especialmente. Se puede decir que Arrietty es "muy Ghibli" en el sentido de adoptar todas las constantes de sus historias pero no por ello hace algo trillado ni falto de originalidad. 

  
Yonebayashi logra que su ópera prima tenga esencia, esa que le faltaba a Cuentos de Terramar (Gedo senki) o Haru en el Reino de los Gatos (Neko no Ongaeshi), y también profundidad. No llega a cotas magistrales pese a sus evidentes esfuerzos en buscar una especie de fusión entre el tono sosegado de Mi vecino Totoro y pinceladas temáticas que se quedarían en un punto intermedio entre Nicky, la aprendiz de Bruja (Majo no Takkyûbin) y Susurros del corazón (Mimi wo Sumaseba). Pero la intención es encomiable y el resultado final, bastante bueno. Sorprendentemente bueno incluso, vistos algunos intentos anteriores. 

  
Visualmente la película es brillante, deslumbra sin hacer ruido ni alarde de ello. Encontramos menos escenas espectaculares y lo que destaca es el cuidado del detalle en cada fotograma. Es una película que respira, que se mueve, que suena, que luce... Arrietty es una película que, en definitiva, está viva. 



Desde cada hoja del jardín hasta la perspectiva de los gigantescos objetos cotidianos bajo la óptica de los seres diminutos, desde la incontable relación de mecanismos ingeniosos que usa la familia de Arrietty hasta el detallismo extremo de la casa de muñecas... no tiene los momentos prodigiosos y espectaculares que logra Hayao Miyazaki, pero su minimalismo barroco también tiene encanto y logra sus propios grandes momentos desde otro estilo diferente. 
 

Como encanto tiene la voz de Cécile Corbel y la música que acompaña a la película. Unas melodías que evocan sentimientos profundos, pero siempre con un halo de tristeza encubierta al piano, el arpa y el violín, de una melancolía que no creo que sea tan pretendida como lo es en el resultado final del film. Simplemente da una sensación un tanto opaca, pero repleta de magia. Es sin duda un sonido que acompaña perfectamente el pequeño gran mundo que se mueve alrededor de la película.

··· EL CONFLICTO DE HARU

Si hay un personaje conflictivo en la película ese es el de Haru, la asistenta de Sadako en la casa. Mucha gente ve un punto negro del guión en ella y en su aparentemente absurda e inexplicable actitud "maliciosa". Yo creo que cualquiera familiarizado con el cine del Studio Ghibli lo puede entender de distinta manera. El personaje de Haru es un recurso del guión para que haya un conflicto en la trama, pero no busca poner un malo porque sí, sobre todo porque en Ghibli no es habitual que haya ni malos muy malos ni buenos muy buenos, pese a que en Karigurashi no Arrietty ese reflejo no se hace con tanta maestría como en otras obras y puede que resulte un tanto forzado, brusco o como queráis llamarlo.

  
Haru es un reflejo de un personaje muy típico de Miyazaki como es la anciana curiosa, el retrato de los personajes de avanzada edad con cierta vis cómica y nunca resignados al paso del tiempo que combaten una vida sin demasiadas emociones con una extrema curiosidad que, como en el caso de Haru, les lleva a realizar actos que pueden dañar a otros, pero nunca con una maldad hueca y premeditada. En este sentido podemos encontrar referentes múltiples en diversas direcciones de su personalidad, como Dora (El castillo en el cielo), la anciana pegada al televisor que disfruta con el accidente del dirigible en Nicky la aprendiz de bruja (la recordaréis por su frase "¡qué emocionante!"), algunos aspectos de la Sophie anciana en El castillo ambulante y más recientemente en las señoras de la residencia de Ponyo en el acantilado. 
En cierta manera da la impresión de que Hayao Miyazaki ve a las personas mayores como niños pequeños de curiosidad infinita y algo inconscientes en sus acciones, pero nunca con malicia. Además es en los últimos años precisamente cuando más ha repetido ese parámetro, lo que da lugar a pensar que es como percibe la edad a la que él mismo ha llegado ya.  

  
Puede que choque la precipitación del conflicto que genera Haru, puede que a nivel de guión no sea un prodigio en este sentido y puede que parezca una solución muy “gratuita”, pero entra dentro de una cierta lógica en la continuidad de personajes de Miyazaki como guionista. Realmente no me parece tan descabellado como muchos apuntan entre los puntos más débiles de la película, ¿será cuestión de percepción?.

  
Por su parte, Arrietty como protagonista no tiene demasiadas vueltas, aunque cuenta con mucho más carisma que los personajes principales de las últimas películas del estudio. Seguramente que desde los tiempos de San y Ashitaka en La Princesa Mononoke y Chihiro y Haku en El viaje de Chihiro no viéramos una protagonista tan carismática y completa. Ni Sosuke ni Ponyo en Ponyo en el acantilado, ni Arren ni Therru en Cuentos de Terramar y si me apuráis, ni Sophie en El castillo ambulante tenían esa solidez. 
Arrietty recupera el perfil de la heroína clásica de Miyazaki, retrayéndonos a los tiempos de Lana, Nausicaä, Sheeta o Kiki (Nicky en España).



··· SI NO FUERA POR ESOS MOMENTOS...

La película tiene algunos momentos realmente llamativos, y alguno que se podría catalogar directamente como brillante. Para abrir boca, todo el procedimiento de la primera incursión de Arrietty con su padre que centra los primeros minutos del metraje, nos da una idea de lo que es la obra en sí: Puro Ghibli pero con un aire fresco que devuelve la esperanza acerca de los nuevos realizadores del estudio. Toda la sucesión de perspectivas y sonidos te meten de lleno en la historia, te sientes entre las paredes de esa casa, vibras con el vértigo de la enorme cocina y sus ruidos cotidianos para un humano, impresionantes para seres de 10 centímetros de altura. Genial trabajo para reflejar las distintas miradas desde el mundo diminuto.

Al final de toda esa secuencia en busca de los terrones de azúcar y el pañuelo, cuando Shô descubre a Arrietty desde su cama puedes sentir su estremecimiento tras el pañuelo de papel. El ritmo y el montaje de esa escena es particularmente llamativo y uno de esos momentos a atesorar en la memoria.


Otro pasaje a destacar es cuando Arrietty se "muestra" (aunque en realidad solo lo hace su sombra) a Shô en la ventana. De emocionalmente vibrante pasa a ser un momento emocionante a secas cuando el cuervo se lanza contra la ventana y se incrusta en la mosquitera. Recuerdo como ahí, en la sala de cine, todo el mundo dio un respingo xD Un momento como este es clave para que la película no decaiga en una peligrosa rutina y su calculada y delicada parsimonia se vuelva aburrimiento. 


Aunque quizás la escena que más me llamó la atención a nivel de diálogo y composición fue la del encuentro de Arrietty y Shô en la explanada. Primero visualmente, con Shô tumbado sobre el colorista paisaje lleno de flores a la espera de ver por primera vez con sus propios ojos a Arrietty. Luego especialmente duro es el discurso derrotista de Shô, quizás por inesperado, en el que explica su enfermedad y su falta de esperanza en él y en todo, terminando por decir a la diminuta que está condenada a desaparecer, ella y su especie.  


No me hubiera parecido mal ese giro, si no se hubiera resuelto con otro giro aún más brusco (en mi opinión, solventado mal y pronto) en el que la propia Arrietty con solo unas palabras hace cambiar de opinión a Shô en apenas unos segundos. Creo que tendría que haber sido un proceso argumental más elaborado en ese sentido, pero bueno, se lo dejo pasar porque la película en su conjunto puede tomarse como todo ese proceso en sí mismo, aunque la escena en concreto no es la más afortunada del mundo para dar credibilidad a los personajes y su situación.


Para terminar tenemos el eterno dilema de los finales, un mal extensible a casi todo el anime que se hace en Japón y del que ni Studio Ghibli ni el mismísimo Hayao Miyazaki se han librado (¿quién no ha pensado alguna vez lo mal resuelta que está El castillo ambulante? ¿O la precipitación del final de Nicky, la aprendiz de bruja?). En Arrietty y el mundo de los diminutos Hiromasa Yonebayashi no patina del todo, pero tampoco se puede decir que sea el mejor final de la historia, resultando éste un tanto insulso e inacabado.


En cualquier caso las pinceladas están más o menos claras para que el espectador pueda deducir, sin embargo hay una parte que no lo está tanto. La de Arrietty y su familia resulta bastante evidente dirgiéndose a un nuevo destino que todo apunta que será bueno (ese horizonte luminoso indicando un favorable futuro...). La de Shô ya nos la cuentan sutilmente desde el primer segundo, cuando la narración directamente empieza con sus palabras: "Ese verano fue muy importante. Pasé una semana intensa en la casa donde se crió mi madre...". De hecho es tan sutil que a mí me lo han tenido que señalar posteriormente porque no se me ocurrió relacionar el inicio con un final que me parecía más inconcluso de lo que realmente es xD De cualquier forma, el desenlace es a todas luces escaso.


Arrietty y el mundo de los diminutos (Karigurashi no Arrietty) es, en definitiva, una buena película que vuelve a las mejores esencias de Studio Ghibli y que me da la impresión subjetiva de que tiene como principal referente de estilo a Nicky, la aprendiz de bruja (Kiki's Delivery Service), aunque toma prestados muchos conceptos en general del Miyazaki clásico para dotarles de un nuevo aire. Sin embargo el minimalismo de su historia no alcanza las cotas de genialidad de todas las obras que la influyen directamente, aparte de un ritmo narrativo que le cuesta arrancar y nunca termina de hacerlo del todo.


Pero, pese a pequeñas imperfecciones perdonables en un principiante en la dirección como es Hiromasa Yonebayashi, se puede decir con toda tranquilidad que logra la mejor película no dirigida por Hayao Miyazaki ni Isao Takahata de toda la historia del Studio Ghibli, solo por detrás de la brillantísima Susurros del corazón (1995) del ya fallecido Yoshifumi Kondô, y dando tregua a la posterior Kokuriko-zaka Kara (2011) a falta de que el tiempo la coloque en un lugar de nuestra memoria.


Arrietty tiene muchas virtudes empezando por un apartado visual deslumbrante, una protagonista carismática, una atmósfera muy lograda, un mensaje de fondo muy interesante (e inteligente), una buena banda sonora y una sensibilidad a flor de piel que traspasa la pantalla, aparte de que respira el aroma de los clásicos de los 80 de Hayao Miyazaki.




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